Ang pag-alis ng isang klasikong pelikula ay tulad ng paglalagay ng iyong anak para sa pag-aampon. Dapat mo lamang gawin ito kung ikaw ay labis na nangangailangan ng cash, at kahit na ito ay isang trahedya. Inaasahan namin na ang pang-iinis dito ay maliwanag sa sarili, tulad ng kasakiman ng modernong mga studio pagdating sa pagsakripisyo ng aming mga alaala sa cinematic na pabor sa pinakamalakas na dolyar.
Sasampalin mo ba ang isang Van Gogh? I-edit ang Faulkner? Tame Tchaikovsky? Kung ang iyong sagot ay anumang bagay ngunit isang resounding "HINDI," pagkatapos ay manalangin para sa kapatawaran. Alalahanin: ang paggawa ng mga subtlest na pagbabago sa tono ng balat ni Yoda sa muling pinagkadalubhasaan na koleksyon ng Star Wars na ginawa si George Lucas na isang pariah, kaya't ito ay isang babala sa Hollywood: mananatili kang may kaugnayan at mahalaga sa kultura at politika dahil sa iyong pagkamalikhain. Patuloy sa akin ang mapagkukunang iyon at pigilan ang tukso na muling bawiin ang mga banal na lugar. Ito ay sa iyong pinakamahusay na interes na iwanan ang totoong hiyas ng kasaysayan ng cinematic sa Criterion Collection, The Smithsonian at ang US National Film Registry
Nakasakop na namin ang 10 Mga Pelikula Hollywood Ay Hindi Makakailang Mag-remake, ngunit narito ang aming listahan ng 10 Mga Pelikulang Hollywood na Huwag Kailangang Muli:
Nawala Sa Hangin (1936)
Ang pagpapasadya ng nobelang 1936 ni Margaret Mitchell ay nangangailangan ng isang antas ng pag-aalay at kagandahang-loob na hindi naranasan ng Hollywood. Sa maraming mga paraan, si Victor Fleming's Gone With the Wind ay naging pamantayang ginto para sa epiko ng pelikula. Ang pag-iwan ng walang bato na hindi nababalutan ng nakamamanghang pananaw ng timog ng antebellum sa unang kalahati nito, at ang ganap na pagkawasak ng pagbubuntis ng Amerika at ang mga pagtatangka sa pagbuo muli sa ikalawa, ang 1939 na pelikula ay nag-iiwan ng impresyon na mahirap iling.
Si Vivien Leigh, Clark Gable at Hattie McDaniel ay naghatid ng ilan sa mga hindi malilimot na pagtatanghal ng kanilang oras, pinupuno ang screen na may kaakit-akit na mga kaibahan ng emosyonal na damdamin, dating masculinity at ironic humor. Sinamahan ng groundswell ng Max Steiner ng isang puntos, Nawala Sa Hangin na pinaputok sa lahat ng mga cylinders. Maaari itong ma-remade ngayon? Sa pangalan lamang.
8 Casablanca (1942)
Tatlong taon pagkatapos ng tagumpay ng Gone With the Wind, ang Hollywood studio system ay nag-chugged kasama ang mga mercantile output ng mga pelikula. Mayroon silang isang pormula na nagtrabaho. Nang bumaba si Pesa Casablanca bilang isang pagbagay sa walang bunga na pag-play, Lahat Ay Papunta sa Rick's, inilagay ito sa linya ng mabilis upang makuha ang zeitgeist ng WWII sa panahon ng pag-atake ng Allied sa North Africa.
Ang pagpapalabas ng pelikula ay napatunayan na mahusay na nag-time, at habang si Casablanca ay nasiyahan sa mahusay na pagbabalik ng box office at isang positibong reaksyon mula sa pindutin, ito ay naka-hook sa kamalayan ng publiko nang maayos pagkatapos ng paunang pasinaya nito. Salamat sa isang transcendent script na nag-aalok ng mga hindi malilimot na linya para sa bawat eksena sa pelikula, ang direktang drama ni direk Michael Curtiz ay nananatiling isa sa mga pinaka-natatanging romantikong pelikula na nilikha. Hayaanrey Bogart at Ingrid Bergman scorch ang screen. Ang haka-haka, musika at tono ay halos panaginip, at sa tuwing natapos mo ang panonood ng Casablanca, nais mong i-play ito muli.
7 Citizen Kane (1941)
Si Orson Welles ay nag-iisa lamang ng 26-taong-gulang nang idirekta niya ang Citizen Kane, ibubuhos ang isang kapanahunan at gravitas sa pelikula na kakaunti ang mga direktor na naitugma. Isang masigasig na tao sa teatro, ginugol ni Welles ang kanyang unang bahagi ng 20s na nakatuon sa entablado sa kabila ng pagsulong ng pinansiyal sa Hollywood. Nang iwanan siya ng kanyang mga pagsisikap na kakailanganin ng pera, lumipad siya sa Los Angeles at, pagkatapos ng paglilibot sa mga RKO studio, nilagdaan ang isang dalawang larawan na pakikitungo sa mga executive nito.
Tiyak, ang Welles ay nagtataglay ng mga panlipunang biyaya ng tatak ng Clooney, habang ang unang-time na direktor ng pelikula ay lumakad nang malayo sa isang mabigat na badyet, walang awtomatikong pagsulat ng awtonomiya, at, ang pamantayang ginto ng kapangyarihan ng direktoryo, ang mga karapatan sa pangwakas na hiwa sa silid ng pag-edit. Sa esensya, ang mga napakatalino na isipan sa RKO ay nagtiwala sa kalagitnaan ng 20s artiste na may mga susi sa kaharian.
Madalas na naglalaro ng mga trick sa studio at nagtatrabaho sa buong orasan, ginawa niya ang pelikula nang eksakto na inisip niya ito. Hindi lamang ang Citizen Kane ay isang pangmatagalang icon ng vintage Hollywood, dapat itong i-tout bilang ebidensya na ang magagaling na mga direktor ay karapat-dapat na kumpletong kontrol ng creative. Kung, para sa bawat sampung nasuspinde na pagtatangka sa kadakilaan, ang mga tagapakinig ay makakakuha ng isang Citizen Kane, kung gayon ang "Dictator Director" ay nagsusugpo ng bureaucracy sa studio sa mahabang panahon.
Ito ay Isang Kamangha-manghang Buhay (1946)
Habang ito ay madalas na natatandaan bilang isang pelikula ng Pasko, ang pagpindot ni Frank Capra noong 1946 na pelikula ay isang drama sa puso na nakagambala sa Santa-clad drag. Ang mga saloobin ng pagpapakamatay, sa uri na naranasan ni George Bailey (James Stewart), ay hindi bagay na tumatawa. Marahil na ang dahilan kung bakit ang pinakamagandang sandali sa pelikula ay nagpapaalala sa amin na talagang nabubuhay tayo ng isang magandang buhay.
Ito ang uri ng pelikula na nais mong yakapin ang iyong pamilya at mabagal ang mga bagay sa isang minuto. Ang kasuklam-suklam na kontrabida, si G. Potter (Lionel Barrymore), ay ginagawang ang iyong balat ay gumapang sa kanyang makasariling kalupitan, halos magbigay ng isang panawagan laban sa panlipunang hilig patungo sa kasakiman.
Ito ay isang Kahanga-hangang Buhay ay may mga sandali ng kakila-kilabot, lalo na kapag nakita ni George Bailey kung ano ang magiging buhay kung wala siya. Pinamunuan ni Capra ang mga pagkakasunud-sunod na may kagandahang pangkulay sa gabi na umaaliw tulad ng kaaya-aya habang ang mga eksena sa pagkakasundo ay humihintay. Ang sapat na papuri ay hindi maibigay kay Jimmy Stewart para sa pagganap na ito, at sa kadahilanang iyon lamang, ang pelikula ay dapat manatiling ganap na hindi napapansin.
6 cool na Kamay Lukas (1967)
"Ang nakuha namin dito ay ang pagkabigo upang makipag-usap!" Kaya nagsasalita ang sadomasochistic na Kapitan (Strother Martin) sa Cool Hand Luke, na naglalarawan nang eksakto ang pagkakaiba sa pagitan ng mga mahina na lalaki ng kanyang ilong at ang hindi mapang-akit na espiritu ng mga kalalakihan tulad ni Lucas "Lucas" Jackson (Paul Newman). Nagpasulat sina Donn Pearce at Frank R. Pierson ng isang airtight screenplay na nag-alok kay G. Newman ng kanyang pagganap sa tour de force sa isang plato ng pilak.
Hindi kailanman maaaring maisulit muli ang Cool Hand Luke dahil ang pelikula ay tinukoy ng lead actor nito. Ang tatak ng pagmamalupit ng cocksure at malalim na nakaupo na pagkalumbay ay naging bughaw na mata ni Newman na isang kabalintunaan. Tinanggal niya ang kapansin-pansing sabong iyon sa The Hustler, anim na taon lamang ang nakaraan, at pinabuti niya ang kanyang bapor noong panahong iyon. Sa pelikula, naglalaro si Newman ng isang hayop na rato-rousing na Korean War vet na nakakabit sa isang chain gang para sa lasing na beheading parking meter.
Ang mga bagay ay nagmumukhang malungkot para kay Luke, ngunit habang pinagsisilbihan niya ang kanyang pangungusap, muling binubu-buo niya ang kanyang tenacity at, sa pamamagitan ng isang serye ng mga pagsubok sa bakuran ng bakuran, ay naging pinaka respetado na tao sa bilangguan. Hindi nakakagulat, ang Cool Hand Luke ay naging isa sa mga pinapahalagahan na pelikula sa kasaysayan.
5 Ang Godfather (1972)
Ang sinumang magpapabalik sa klasikong Francis Ford Coppola ay tiyak na magiging anticristo. Ang anumang pagtatangka na muling pag-reimagine ang Corleone epic ay isang buhay na insulto sa sinehan, kay Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale at hindi mabilang na iba pang mga artista na kumuha ng libro ni Mario Puzo at ito ay naging isang piraso ng purong tula.
Paano nagsisimula ang paglalarawan ng kadiliman ng 1972 na klasiko? Ang bulag na bard ay hindi na kailangang ilarawan si Helen ng Troy. Siya lang ang perpekto. Ang Godfather ay may mga reams ng panitikan na nakatuon dito, at sa kabila ng pagdidisgrasya ng buong mundo ng pelikula ng epiko ng gangster, ang mga pag-uusap ay hindi titigil.
Ang mga tema ng paggalang, karangalan at pamilya ay tumatakbo nang malalim sa tropohiya ni Coppola, at habang ang marami sa mga Corleones ay may dugo sa kanilang mga kamay, itinuro nila ang kanilang mga sarili sa mga madla na may kanilang pagnanasa at kasabikan sa buhay. Ang mga halaga ng produksiyon ay transendente, at ang mga pagkakaiba sa pagitan ng mga character tulad nina Michael at Sonny Corleone ay gumawa para sa isang tunay na nakakagulat na pelikula.
4 Ang Graduate (1967)
"Gng. Robinson, sinusubukan mong akitin ako. Hindi ba? " Pinuno ng Mike Nichols ang kanyang pangalawang ever film na may sapat na mga sangguniang phallic at imahinasyon upang ma-warrant ang isang R-rating, ngunit ang kanyang direktoryo na tuso at klase ay nagpakawala ng isang magulang na PG. Ang Graduate ay naging pangunahing batayan ng mga karera ng Nichols at Dustin Hoffman, kasama ang undercurrent ng sexual restlessness at identity crises na naka-encode sa panahon.
Oo naman, pinapanood ang natutulog na si Benjamin Braddock (Hoffman) kasama ang napakahusay na mapang-akit na si Robin Robinson (Anne Bancroft) ay nagpatunay na kontrobersyal para sa mga oras, ngunit binigyan nito ang mga madla ng isa sa mga pinaka nakakatawa, nakakaengganyo na mga darating na kwento na nakatakda sa pelikula. Nagsisimula noong 1960 'kung saan ang pamilya ng nukleyar na Amerikano ay may mas kaunting fission kaysa sa bomba ng atom, ang mga wich jabs ni Nichols sa kultura ("plastik)) ay advanced, hindi maikakaila at walang limitasyong.
3 Sa The Waterfront (1954)
Sa Waterfront ay batay sa isang maliit na mga artikulo na inilathala noong 1949 na nakalantad sa kalupitan at pagbubuntis sa gitna ng long Jersey, na ginagawa ang pelikula sa isang beses sa isang buhay na pagkakataon. Nagbibigay ng panghuli materyal na mapagkukunan para sa isang pelikula, binigyan ng mamamahayag na si Malcolm Johnson ng direktor na si Elia Kazan ang uri ng mga hilaw na kalakal at pagiging totoo na lagi niyang sinikap na hanapin.
Hindi kilalang-kilala si Kazan para sa pag-provoke ng mga fights at insecurities sa kanyang mga set, na pinang-iilaw ang fuse para sa inaasahan niya na isang pagsabog ng pulbos na basura sa sandaling magsimula ang mga camera. Si Terry Malloy (Marlon Brando sa isa sa kanyang pinakamatatag na tungkulin) ay kumakatawan sa lahat-Amerikanong asul na manggagawa ng kwelyo na may pagbaril sa kaluwalhatian at hindi nakuha, nadoble sa pagkabulok ng kanyang dobleng mob-boss na si Johnny Friendly (Lee J. Cobb, ang panghuli onscreen menace).
Sa huli, ang pelikula ay nagniningning ng isang kilalang pansin sa katiwalian na na-imbed sa Hoboken Docks at binigyan ang mga filmgoer ng isang slice ng buhay na hindi kailanman mai-replicated.
2 Lawrence ng Arabia (1962)
Si Peter O'Toole ay isang bigat sa film lore, at kahit na kung paano niya inalis ang pabor ng Academy at nabigo na manalo ng Best Actor for Lawrence of Arabia, ang kanyang paglalarawan ng TE Lawrence ay tinukoy ang bayani sa Hollywood. Manipis at edukado sa isang enkolar ng Ingles, binago ng O'Toole si Lawrence sa isang napakatalino na kambing ng mga Arabian sands.
Ang epic ni David Lean ng 1962 ay naglalarawan ng eponymous character na ito bilang isang bayani sa Britanya na tumulong pa sa tagumpay ng Union Jack sa Arabian Peninsula noong unang Digmaang Pandaigdig. Ang isang regular na John Wayne ay hindi, gayunpaman, at doon ay natagpuan ng O'Toole ang silid para sa kanyang first-rate na kumilos na chops. Sa pelikula (brilliantly shot ng cinematographer Freddie Young), ipinapakita ang TE Lawrence bilang isang mandirigma na kumpleto, na pinagtunggali ng kanyang marahas at mapayapang mga bakasyon. Nakasuot siya ng kanyang pagkakasala na nakasakay sa PTSD sa kanyang mga armou-armed na manggas, ngunit sa klasiko na estilo ng Ingles, ang kanyang sariling mga pagkabahala ay hindi mapigilan na tuparin ang kanyang tungkulin.
Pakikibaka ni O'Toole Lawrence sa kanyang mga responsibilidad, ngunit hindi ito nilamon ng mga ito. Nagawa nang maayos pagkatapos ng pagpapakawala ng Gone With the Wind, Lawrence of Arabia ay maaaring makatarungang isaalang-alang na isang pagpapalawig ng epic ni Victor Fleming, na ipinapakita sa Hollywood ang walang hanggan na potensyal ng cinematic storytelling.
1 Isang Orasan ng Orasan (1971)
Ang pag-alis ng isang Kubrick film ay kukuha ng hindi kapani-paniwala chutzpah. Paano sisimulan ng isang tao na mai-access ang sikat na direktor ng sikat na direktor sa paggawa ng pelikula? Marahil ang pinakatanyag na pagpasok sa kanyang oeuvre ay ang A Clockwork Orange, isang tunay na paglalakbay sa mental-unstable-lane na kasama ang isa sa mga pinaka-sadistikong eksena na itinakda sa walang-sala na "Singin 'sa Ulan." Mahina Gene Kelly.
Si Alex (Malcolm McDowell) ay nangunguna sa gang ng mga kabataang naka-gapos ng Britanya na nagagahasa at dumadaloy sa pamamagitan ng isang lalong nasira na lipunan. Ito ay isang nakagagalit at nakakagulat na pelikula na umaatake sa mga mata habang itinatapon ang mga punch ng gat sa aming kamalayan ng moralidad at dahilan. Kung mayroong anumang imahe sa pelikula na pinakamahusay na nakakakuha ng mga kakayahan ni Kubrick, walang alinlangan ang tanawin kung saan si Alex ay ang kanyang mga mata na mekanikal na na-pried bukas at pinipilit ang pag-atake ng pag-atake ng assaultive na gumaganyak sa kanyang utak.
Salamat, Stanley.
-
Ayan na! Ano sa palagay mo ang mga klasikong pelikula na dapat na labasan mula sa isang muling paggawa ng Hollywood? Ipaalam sa amin sa mga komento sa ibaba!